Porque Scola tiene rango de maestro, se agradece el estreno –harto tardío– de esta cinta de época que el realizador de filmes tan memorables como “Nos habíamos amado tanto” y ”El baile”, hizo a los 70 años en el 2001 (y tuvo escasa distribución foránea). Ya se sabe, Scola dio lo mejor de sí en los ’70 y ’80. La película empieza más bien como una comedia de costumbres ambientada en la Roma de 1938, acerca de la rivalidad de dos comerciantes con tiendas contiguas, cuyas familias son además de vecinas, muy amigas. La clientela del sastre de tradición disminuye a causa del ojo publicitario y comercial de quien vende trajes más baratos de confección industrial. Las peleas entre ambos y los pequeños incidentes de la vida de barrio alimentan el relato que, aunque convencional y en tono menor, tiene la fluidez y destreza propias de un director experimentado, y una atractiva recreación de época además. Pero estamos en el mismo año de “Un día muy particular” (1977): tras la visita de Hitler a Roma, se desata el antisemitismo. Nos enteramos de que el tendero más boyante es judío, y éste sufre los rigores del fascismo. Volcándose entonces al drama, ese tramo de la narración da los mejores momentos del filme. La coproducción con capitales franceses explica que en este jalón de la historia italiana, astros galos como Dépardieu y Jean-Claude Brialy aparezcan en roles menores.

Dirigida y coescrita por Ettore Scola. Con Sergio Castellito, Diego Abatantuono, Gérard Dépardieu.

Con la categoría de una obra maestra, este filme excepcional instala a Akin como el talento más brillante en el nuevo boom del cine alemán. De este hamburgués de padres turcos vimos antes “Contra la pared”, con la cual ganó el Festival de Berlín en 2004 cuando apenas tenía 31 años (y que tuvo aquí una fría acogida). Hecha en 2007, esta entrañable película vuelve sobre el problema humano y social de la inmigración, pero esta vez desde la perspectiva del desarraigo y la pérdida de vínculos con la propia identidad y cultura. La compleja estructura de la narración, que sin embargo fluye con ineludible intensidad emocional, y sus profundas resonancias, hacen que el filme se vuelva una verdadera radiografía de la agitación de la vida urbana contemporánea y de los contrastes entre Oriente y Occidente, desarrollo y tercermundismo (que no se agota con una sola visión). Dividido en tres actos, el relato entreteje la interrelación, tan azarosa como marcada por claras simetrías, de seis personajes: padre e hijo turcos en Alemania, madre e hija de la misma nacionalidad separadas geográficamente, y una madre germana que viaja a Turquía cuando su hija desaparece allí trágicamente. Todos son seres que recubriéndose de dureza, sobrellevan como pueden las consecuencias de la falta de oportunidades, la hipocresía, la injusticia y el prejuicio. Sólo al final algunos de ellos descubrirán en la conmiseración por el otro y la voluntad de perdón, la única posibilidad de hallar la paz interior y colectiva. El nivel general de las actuaciones es soberbio (en el elenco reaparece Schygulla, otrora la musa de Fassbinder). Este filme de acendrado y conmovedor humanismo es, sin duda, uno de los filmes más bellos, sensibles y dolorosos que hayamos visto en años.

Dirigida y escrita por Fatih Akin. Con Baki Davrak, Hanna Schygulla,Patrycia Ziolkowska.

Tras la más bien curiosa “La vida me mata”, Silva aquí obtiene resultados de veras consistentes. Tan irrefutables que, entre varios otros laureles, este filme chileno logró el honor de ser santificado en Sundance –el festival que es hoy por hoy el Olimpo del cine independiente– con dos de sus premios más codiciados, el del Jurado a la Mejor Película Internacional y a su protagonista como Mejor Actriz.
Más claramente que en su debut, este relato –que trata sobre una “nana” puertas adentro que lleva 23 años con una numerosa familia de clase adinerada– tiene raíces personales. Silva se inspiró en dos asesoras de su propio hogar y filmó en digital en la misma casa paterna donde creció (su hermano chico como el hijo adolescente es su alter ego y testigo). Comienza cuando la familia celebra informalmente el cumpleaños número 41 de la sirvienta, cuya rutina se quiebra cuando, en vista de su deteriorada salud (sufre dolores de cabeza y mareos que culminan en desmayos), la patrona decide contratar otra asistente para que la ayude en los quehaceres. Entonces Raquel, que teme ser desplazada y defiende su territorio ya que ella siente a esa familia como la suya, le hace la guerra a las recién llegadas con métodos sádicos.
Filmada casi totalmente dentro de los límites de la residencia, lo que le da un aire claustrofóbico, con abundante uso de cámara de mano que observa y sigue de modo inquisitivo a sus personajes, y sin música atmosférica, la película funciona como un “reality show” o al menos como un semidocumental. Pese al tono tan nimio y cotidiano de sus peripecias domésticas, su atractivo radica en su desarrollo por completo imprevisible. Básicamente un drama sobre una mujer que llegó a la adultez sin vida propia, es también a ratos una comedia de rasgos crueles y hasta grotescos, y por momentos –en tanto la conducta de Raquel se vuelve más sicopática– adopta la cadencia de un thriller. Todo con el registro de la servidumbre y el fuerte contraste socioeconómico entre la nana y sus patrones, como telón de fondo.
Filme “de mujeres”, en que los hombres tienen escasa relevancia, se sostiene por cierto en la gran solidez de su reparto femenino. Pero desde luego su soporte eje está en la excepcional actuación de Catalina Saavedra, que consigue unificar los diversos registros, giros y resonancias de la narración. Lo que es tanto más notable puesto que su Raquel sólo en principio despierta piedad; la mayor parte del tiempo es un personaje incómodo, odioso, hasta temible, al cual es imposible adherir. Excepto en su gesto final de alivio y liberación.

Dirigida y coescrita por Sebastián Silva. Con Catalina Saavedra, Claudia Celedón, Mariana Loyola.

Hunt, actriz con más de 80 filmes en tres décadas, debuta aquí como directora con el riesgoso proyecto de filmar la novela “Then she found me”, de la escritora Elinor Lipman, adjudicándose además el rol central. Pese a su inexperiencia, acierta en dar con el singular tono del relato, que no es comedia ni drama, sino un cruce impreciso entre ambos géneros y sensibilidades. A partir, por cierto, de una historia más bien enrevesada y recargada en recursos. La protagonista, una educadora de párvulos de 39 años casada tardíamente, y su esposo, profesor de la misma escuela, a los pocos meses de matrimonio deciden separarse, el mismo día en que ella “descubre” y se enamora del padre de un alumno suyo. El problema es que quedó embarazada por primera vez de una relación de despedida que tuvo con su ex. Hay más: su madre adoptiva, de religión judía, muere y su madre biológica, animadora estrella de un matinal de TV, se vale del entierro para contactarla y pedirle que se conozcan. El relato provee variadas situaciones amorosas y materno-filiales tan insólitas como empapadas de dolida humanidad, que la directora-actriz mantiene bajo control en su mezcla de tensa fibra emocional a punto de estallar, y un muy particular sentido del humor lleno de aspereza. El escritor Salman Rushdie (“Los versos satánicos”) hace del médico obstetra en su tercera actuación cinematográfica.

Dirigida y coescrita por Helen Hunt. Con Helen Hunt, Bette Midler, Colin Firth, Matthew Broderick.

Muy graciosa, esta cinta además se instala en un nicho rara vez explotado: es una comedia de costumbres que se dirige a un público netamente masculino, con la condición de que sea evolucionado. Trata de un agente inmobiliario treintón, amable y bastante atípico aunque definitivamente heterosexual, que decide casarse; lo que le lleva a constatar que en realidad no tiene amigos hombres y que, por lo tanto, no tendrá a quién pedirle que sea su padrino de bodas. Mientras se prepara el matrimonio, se lanza entonces a cazar con urgencia el amigo del alma que nunca encontró, en una serie de citas que se asemejan bastante a buscar chica. Luego de varios pasos en falso, da con un tipo muy cool y relajado que le parece adecuado; lo que sigue es cómo ambos establecen afinidades y afectos, proceso sin duda similar a un noviazgo. Despliega agudas observaciones sobre la camaradería masculina hoy en día y qué normas la rigen, o sea sobre cómo llegan a hacerse de amigos los hombres civilizados del siglo XXI. Sugiere que, igual que antes, en el fondo de un hombre siempre hay un niño y/o un patán, y que un “partner” puede llegar a ser una influencia muy nociva. Pero todo eso ahora además bajo el amenazante fantasma de la pulsión homosexual. Ferrigno, veterano musculoso que fue el legendario Hulk verde de la pantalla chica, aparece en un breve rol para recordarnos aquellos tiempos en que el macho era pura fuerza bruta y agresividad fuera de control.

Dirigida y coescrita por John Hamburg. Con Paul Rudd, Jason Segel, Rashida Jones, Lou Ferrigno.

Este modesto filme de origen belga, primer largometraje realizado en colectivo por una troupe de comediantes de “music hall”, se convierte en un instantáneo deleite de creatividad e ingenio que saca máximo partido a sus exiguos recursos. Es una desopilante comedia bufa de aire anticuado y gentil, aunque en rigor harto siniestra, cuyo referente más cercano son las películas de Jacques Tati de hace medio siglo (y continúa asimismo la vena de Buster Keaton y Harold Lloyd). Como en las historias del señor Hulot, genera divertidísimos gags a partir de las acciones más cotidianas de unos personajes comunes y corrientes, en un relato que funciona como una vieja película muda (casi no tiene diálogos, y los que hay son irrelevantes). Pero además agrega números de baile y, sobre todo, cuotas totalmente impensadas del humor más negro y cruel, todo mostrado con una alegre estética de imágenes luminosas y coloridas. Trata de una pareja de maestros de escuela de provincia, cuyo hobby son los ritmos latinos. Vienen felices de regreso a casa tras ganar un concurso de baile en un pueblo vecino, cuando chocan con su auto y como resultado, ella pierde una pierna y él, la memoria. Esa es la primera de una cadena de catástrofes, que no hacen sino fortalecerlos. Si bien su vida se vuelve una tragedia pavorosa, la asumen con la férrea determinación de seguir adelante porque los une el amor a toda prueba que siente el uno por el otro. Romy, el tercer creador, encarna al ladrón del pan de chocolate. Toda una joyita, en verdad.

Dirigida, escrita, producida e interpretada por Dominique Abel, Fiona Gordon y Bruno Romy.

El asaltante de bancos John Dillinger (1903-1934) no es un recién aparecido en la pantalla; desde 1945 ha tenido no menos de 18 personificaciones para el cine y la TV, en seis de ellas protagónicas. Lo que se explica porque su leyenda creció rápido durante la Gran Depresión en Estados Unidos, una época de extendido resentimiento contra el sistema financiero y la autoridad. Forajido de personalidad jactanciosa y extrema audacia, se ufanaba de asaltar un banco cuando quisiera (pero nunca le robó a un ciudadano común) y ganó fama por la facilidad con que varias veces escapó al cerco policial y en un par de ocasiones incluso de la cárcel a punta de balazos. No es raro que este favorito del periodismo policial conserve hasta hoy su status como una suerte de héroe nacional e icono de la cultura popular.
No obstante todavía no se le había retratado en una gran película a la altura de su mito; de todos sus intérpretes, el más conspicuo a la fecha fue Martin Sheen en 1995. Es lo que se propuso Michael Mann, ocasional director de cine –más habitualmente productor y guionista, y también hombre de TV responsable entre otros éxitos, de la serie “Miami Vice”– reverenciado por la vibrante potencia que suele dar a sus cintas de acción (“Al calor de la noche”, “Colateral”).
Por un momento parece que va a cumplir su propósito, hasta da la impresión que Mann está cerca aquí de lograr su obra maestra. Magníficamente filmada y montada y con una notable recreación de época, la elegante puesta en escena busca hacer un registro iconográfico de las condiciones históricas y sociopolíticas de la era dorada del gangsterismo. Su primera parte contiene escenas de un romanticismo exaltado que recuerdan por fuerza a “Bonnie y Clyde”, el clásico de 1967 sobre la pareja de “enemigos públicos” emboscada y acribillada por la policía el mismo año que Dillinger.
Pero para lo que pretende, la película en los 140 minutos que dura nunca muestra la realidad de la pobreza y el desaliento colectivo de la Depresión. Por el contrario, a medida que avanza el guión, al detallar las hazañas de su protagonista, tiende a adoptar los estereotipos más conocidos del género. Otra gran desventaja es que Depp demuestra no ser el actor más adecuado para el rol; además del problema de la edad (el personaje murió de 31 y el astro tiene ya 45), encarna a un Dillinger bastante taciturno, de escasa energía y carisma. En el sólido elenco secundario, entre otras atractivas figuras, aparece la francesa Cotillard –oscarizada por “La vie en rose”– como la última novia y gran amor del bandido.

Dirigida, coescrita y coproducida por Michael Mann.
Con Johnny Depp, Marion Cotillard, Christian Bale.