Por Pedro Labra

Si bien distribuida en Occidente por Disney, la obra de este aclamado maestro japonés de la animación, profusamente laureado en festivales internacionales (“El viaje de Chihiro”, “El castillo ambulante”), marca la diferencia con el estilo espectacular y la banalización estética que el sello hollywoodense cultivó en las últimas décadas. En ésta, su última película, sobre una idea propia inspirada muy libremente en el cuento “La sirenita”, de Hans Christian Andersen (del que también se sirvió Disney), insiste en el valor artesanal del dibujo hecho a mano y fotografiado cuadro a cuadro, para narrar otra arrebatadora historia que tiene que ver con el equilibrio ecológico y la armonía entre hombre y naturaleza. Cuenta cómo un niño de 5 años rescata en la playa a una pececita roja con su cabeza atascada en un frasco de mermelada. Pronto ella no desea otra cosa que volverse humana para jugar con su protector, anhelo al que se opondrá su padre, un hechicero del mar. El relato, con sus personajes y relaciones claramente definidos, se vierte en hermosísimas imágenes rodeadas de música de sonido sinfónico, con las cuales Miyasaki ratifica su vocación por la belleza. El filme resulta un despliegue de poesía audiovisual rebosante de fantasía y a la vez de humanismo. Si Disney atrae a los adultos con humor y números musicales, el maestro nipón lo seduce a través de la pura exaltación sensorial. Secuencias exultantes como la de Ponyo montando las olas en pos de su amigo y la libertad, se convierten en un envolvente y mágico vértigo de formas, colores y sonidos. Sin duda una experiencia maravillosa para grandes y chicos.

Largometraje de dibujos animados dirigido y escrito por Hayao Miyazaki.

Por Pedro Labra

Creador de un singular universo fílmico poblado de extravagantes criaturas inadaptadas y a la vez enigmáticas, Burton (52 años) y su seductora e inagotable inventiva visual eran ideales para realizar una nueva adaptación del popular libro fantástico publicado en 1865 por el matemático y sacerdote anglicano Lewis Carroll, acorde con la sensibilidad del siglo XXI. Esta debe ser la décima versión del relato para la pantalla grande y chica, de las cuales la única recordable es la de dibujos animados de 1951, bastante objetada por las numerosas licencias que se tomó Walt Disney. Las expectativas despertadas por el proyecto aumentaron pensando en que se trata de la primera incursión de Burton en 3D, con las enormes posibilidades técnicas y expresivas de ese formato que abrió la taquillera “Avatar”, sumado al hecho de que los bonos del cineasta se elevaron cuando el prestigioso MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York abrió hace pocos meses una exhibición con sus dibujos y diseños, consagrándolo como artista pop.
Bajo el alero nuevamente de Disney y con guión de Linda Woolverton, detrás de éxitos de este sello como “La bella y la bestia” y “El rey león”, tal como en 1951, pero ahora con actores y generador digital, mezcla el relato con ideas provenientes de “Alicia a través del espejo”, secuela harto menos conocida que Carroll escribió cinco años después. Más determinante es que aquí Alicia ya no es una niña prepúber, sino una muchacha casadera de 19 algo chiflada, que en la misma fiesta de su compromiso nupcial con un detestable joven lord, se distrae con un conejo que pasa corriendo, lo persigue y se zambulle así en su segundo viaje por el mundo prodigioso regido por la paradoja (ella primero no recuerda su visita 10 años antes), al que esta vez se llama Bajotierra. Por cierto la opción tiene el ojo bien puesto en la amplia franja de fans adolecentes de Burton.
Los logros en las áreas de diseño de producción, efectos técnicos, vestuario y maquillaje son irrefutables. Pero pronto la historia revela carecer de sustancia y sentido profundo; apenas roza la ironía perversa del original en torno al rigor de la lógica y el formalismo vacío de las normas sociales. A medio camino adopta abiertamente los resortes de la fórmula tantas veces vista en cintas de consumo infanto-juvenil, incluyendo un par de monstruos como escapados de “Las crónicas de Narnia” o “La brújula encantada”. A fin de cuentas el interés se sostiene, más que nada, en el abigarrado desfile de criaturas fantásticas imaginadas con ingenio tan excéntrico como excesivo.

Dirigida por Tim Burton. Con Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham-Carter.

Por Pedro Labra

Tras dar lo mejor de su talento (y ganar mucho dinero) en su espléndida saga de “El señor de los anillos”, Jackson se da el gusto de volver a hacer un filme más personal y sin presiones industriales, con esta adaptación libre de la singular novela de la estadounidense Alice Sebold, editada en 2002. Trata de una chica de 14 años violada, asesinada y descuartizada por un solitario vecino suyo de personalidad psicopática. Pero no se concentra en el crimen mismo, sino en sus consecuencias mediante un impensable recurso poético. Imagina que la muchacha desde ultratumba sigue observando durante el lapso de un año qué continúa ocurriendo entre los vivos; ella misma narra en “off” su experiencia mientras vaga en una suerte de purgatorio, un universo paralelo e intemporal ajeno a cualquier concepto de Dios o religión. Lo que el libro quiso expresar, el cómo se asume la pérdida más brutal de la inocencia a través de un horror inimaginable, en la versión de Jackson muta en un drama familiar sobre el proceso de duelo y la impotencia ante la impunidad del victimario; todo puntuado por las visiones oníricas de ese particular “más allá” en las que Jackson ejercita su dominio del generador digital. En una línea similar a la de “Criaturas celestiales”, con que el director llamó la atención en 1994 virando hacia el cine “de calidad”, el filme nunca logra que sus planos tan dispares, el real y el fantástico, cuajen con fluidez, y se excede sin duda en la atmósfera fúnebre y siniestra que predomina en las más de dos horas que dura.

Dirigida y coescrita por Peter Jackson. Con Saoirse Ronan, Stanley Tucci, Susan Sarandon.

Por Pedro Labra

Lo insólito de este thriller de espionaje es que su idea original pertenece al comediante Steve Martin, quien también lo coprodujo junto a Cheadle. Pese a lo cual, y a que la cinta la condujo un director de escasa experiencia y novato en este género, el resultado no es nada de despreciable, en verdad bastante satisfactorio en su registro. Moviéndose por distintas latitudes (Yemen, Chicago, Londres, Niza), sigue las peripecias de un huraño negro norteamericano de origen sudanés y fe musulmana, que habla perfectamente árabe y se ve involucrado en una compleja operación internacional. Es un personaje tan enigmático, que parece ser sucesivamente un peligroso terrorista, traficante de armas, agente encubierto, contra-espía, o bien estar actuando por simples motivos personales. Aunque la historia a ratos se enreda demasiado, se las arregla para retratar de modo convincente las tácticas del terrorismo, y también la corrupción e ineficiencia de la burocracia gubernamental en su lucha contra éste. Por lo mismo el filme funciona como un reflejo de la paranoia post Torres Gemelas. Sin duda el factor que une los cabos sueltos y rescata al relato de caer en el caos, es el sólido desempeño de Cheadle, actor complementario de respetado currículo (“La gran estafa”) en uno de sus escasos dos roles protagónicos.

Dirigida y coescrita por Jeffrey Nachmanoff. Con Don Cheadle, Guy Pearce, Jeff Daniels.

Por Pedro Labra

Para empezar, da notoriedad a esta cinta el que aspire al mismo número de Oscar –9, el máximo de este año– que “Avatar”, instalada ya como la película más taquillera de la historia del cine; no pocos críticos creen, por lo demás, que en justicia debería ganarle. Detalle sabroso es que Bigelow, de 58 años, con un respetable prestigio agregado como pintora, fue esposa de su actual competidor, James Cameron, el director de “Avatar” (y de “Titanic”), por un corto periodo entre 1989 y 1991. Más excepcional aún es el hecho de que esta poderosa película del género bélico sea obra de una mujer, la única directora dedicada exclusivamente y con gran talento a un tipo de cine tan masculino como las películas de acción en sus diversas variantes (“Punto de quiebre”, “Días extraños”), en un medio en el que las féminas que dirigen, escasean. En 82 años del machista Oscar ella es apenas la cuarta realizadora –­y la segunda estadounidense–­ en postular a esa estatuilla, que ninguna de las anteriores ganó.
Contiene breves apariciones de Ralph Fiennes, Guy Pearce y Evangeline Lilly (“Lost”) en roles muy menores. Pero básicamente ésta es una producción independiente protagonizada por jóvenes actores secundarios de rostros no identificables, que busca mostrar el día a día de unos hombres comunes y corrientes cumpliendo misiones de extraordinaria peligrosidad como soldados norteamericanos en el frente de Irak. El guión, escrito por un corresponsal de guerra que reporteó en terreno a una patrulla de elite, sigue durante varias jornadas la rutina de una unidad especializada en desarmar explosivos, con el fin de demostrar la cita que abre la narración, tomada de un libro de otro periodista, afirmando que la guerra, a fin de cuentas, actúa sobre la mente masculina como una letal droga adictiva.
Con un tono semidocumental, el relato –de enervante tensión y efecto profundamente perturbador– se limita a exponer esa realidad alterada y extrema centrándose en un experto desactivador de bombas que es un héroe desquiciado y rebelde, un niño grande de perversa compulsión suicida jugando a la ruleta rusa. El filme plantea una interrogante que abre un abismo: cómo una mujer logró hacer una película más “macho” que la gran mayoría de las cintas bélicas dirigidas por sus colegas varones, que junto con entregar un crudo reflejo testimonial de la guerra, expresa del modo más convincente la inmediatez de la violencia en el horror infernal que es el frente de batalla, así como la camaradería brutal de los hombres abocados a esa lucha al borde de la muerte.

Dirigida y coproducida por Kathryn Bigelow. Con Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty.

Por Pedro Labra

Promisorio para quien sepa disfrutar del género musical, algo por desgracia raro en el gran público local, y en particular para los cinéfilos conocedores de “8 y ½”, una de las obras mayores de Federico Fellini, de 1963, es una adaptación personal del exitoso y premiado musical de 1982 inspirado –tal como años antes se creó “Sweet Charity” a partir de su película “Las noches de Cabiria”– en ese legendario e influyente clásico. Aquí Marshall –avezado director teatral de Broadway, cuya versión cinematográfica de “Chicago” fue muy aplaudida– decidió reelaborar no sólo la historia original (cortó escenas y añadió personajes, como el de la Mamma que personifica la incombustible Sophia Loren), sino la partitura musical: dejó fuera la mitad de las canciones y agregó otros tres temas nuevos. De tal forma que la película no logra restituir los méritos del espectáculo neoyorquino ni explica sus laureles. Peor aún es que tampoco parece rendir el homenaje definitivo que pretendía a Fellini y su obra. El relato –sobre un director estrella tan famoso como inmaduro emocionalmente que, tras anunciar su próximo filme, enfrenta un serio bloqueo creativo al tiempo que, cruzando la crisis de los 50, se ve asediado por las mujeres de su vida– da una impresión acartonada y poco estimulante. Los numerosos personajes femeninos parecen deslucidos y las canciones en general suenan anémicas. Pese a los antecedentes, su lustrosa e impecable producción y su rutilante elenco, no pasa de ser un filme fallido y hasta irritante.

Dirigida y coproducida por Rob Marshall. Con Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Marion Cotillard, Sophia Loren.

Por Pedro Labra

Dirigida y coescrita por Guy Ritchie. Con Robert Downey Jr, Jude Law, Rachel McAdams.

Por Pedro Labra

Sólo muy de tarde en tarde aparecen cintas como ésta, cuyos componentes encajan todos a la perfección para articular un relato elegante, agudo, emotivo y lleno de estilo. A partir de un libro de memorias de una periodista británica, esta experimentada directora danesa filma su primera película en Inglaterra, que resulta una historia penetrante y sutil sobre una muchachita que salta precozmente de la adolescencia a la adultez, y es al mismo tiempo una minuciosa evocación de Londres en el preciso momento en que los locos y amorales años 60 desplazaron a la represiva posguerra.
Con una bella y cautivante ambientación de época, en imágenes sepiadas que sugieren la fotografía en blanco y negro, cuenta la aventura de una colegiala de 16 años, excelente y modosa alumna de un estricto colegio de señoritas en un suburbio de clase media. Alerta a todos los estímulos y de rica imaginación, sueña con grandes cosas para su futuro mientras toca el cello, lee a Camus y escucha a Juliette Greco; hasta que no tan casualmente aparece en su vida un encantador galán que la dobla en edad. El maneja un rumboso automóvil Bolton, parece tener una boyante posición económica y representa todo el “savoir vivre” y la sofisticación con que ella ha fantaseado. Desenvuelto y carismático, conquista también a sus apocados y tradicionalistas padres, y los convence de que le den permiso para salir juntos. Así se integra al grupo de sus amigos y junto a ellos fuma, bebe champagne y sostiene desenfadadas charlas en una vorágine de panoramas glamorosos que incluye un viaje a París. Logra cumplir su voto de mantenerse virgen hasta su cumpleaños número 17, pero las distracciones la hacen perder su oportunidad de postular a Oxford. Lo peor viene cuando la chica empieza a descubrir la otra cara, oscura e indeseable, de su amado.
El relato funciona como una celebración de la curiosidad intelectual y cultural, y del hechizo de lo distinto y desconocido. Pero es, sobre todo, un proceso que se vuelve triste y doloroso. Al fin y al cabo ella aprende que en este mundo para conseguir algo y ser alguien, hay que saber seducir y adular, mentir y ocultar. Esenciales en el filme son el bien calibrado guión y el inspirado diseño de producción. El nivel interpretativo general es muy alto, pero la película se la roba la irresistible y luminosa Carey Mulligan en el rol protagónico (de 24 años cuando lo encarnó); la evolución que logra expresar desde la ingenua liceana de uniforme a una atractiva mujer que se las trae, resulta poco menos que milagrosa.

Dirigida por Lone Scherfig. Con Carey Mulligan, Peter Sarsgaard, Emma Thompson.

Por Pedro Labra

Uno de los documentales exhibidos en el último tiempo que ratifican que este género injustamente subvalorado está pasando por el mejor de sus momentos, es sobre todo un filme de poética belleza. Primero por sus cautivantes imágenes filmadas en uno de los parajes más hermosos del planeta, las tierras altas al norte de Tailandia, y luego porque conlleva una poderosa lección de vida que rebosa de solidaridad, compasión por el que sufre, entrega y esperanza. La película de origen holandés sigue durante todo un año la experiencia de un monje budista que recoge en su monasterio a niños huérfanos y abandonados de esa región asolada por la miseria y la drogadicción. Los cuida y enseña a confiar en sí mismos sin exigirles nada a cambio, ni siquiera inducirlos al noviciado. La premisa enunciada al principio es que “la vida es un arte para ser aprendido”. Apenas se insinúa, pero Khru Bah es todo un personaje que recibe visitantes incluso del extranjero, ya que antes de dedicarse a la vida monacal fue un popular campeón de boxeo tailandés. Su activa y ruda personalidad rompe desde luego el estereotipo del monje contemplativo dedicado a la meditación. Claramente no es un filme sobre budismo. Se puede objetar que el impreciso relato salta de uno a otro chico sin ahondar en el proceso de ninguno. Pero al fin y al cabo la serie de viñetas se las arregla para dejar una impresión de armonía y de haber conocido una aventura importante.

Largometraje documental dirigido por Mark Verkerk.

Por Pedro Labra

Este es lejos el proyecto más ambicioso de Campanella –de 50 años, antes filmó “El hijo de la novia” y “Luna de Avellaneda”– cotizado hoy como el cineasta argentino más fogueado en el corazón de la TV norteamericana tras dirigir en ella unos 25 episodios de diversas teleseries (sobre todo de “La ley y el orden”). Premiada y con más de dos millones de espectadores en su país, la cinta se pone la vara muy alta en términos de diseño de producción, incluyendo algunos alardes innecesarios, como la impresionante toma aérea que se introduce en un estadio durante un partido de Racing. En todos los desafíos planteados en este plano, Campanella sale triunfante: es una historia de época con impecable ambientación, nivel de producción y factura técnica, sólidamente actuada además. A partir de una novela que coguionizó su autor, trata de un fiscal de instrucción de un juzgado bonaerense que jubila y se propone probar suerte como escritor. Eso le lleva a revisar su pasado y volver sobre el caso no resuelto de una joven salvajemente violada y asesinada, que le obsesionó 25 años atrás. El guión tiene de todo: básicamente un relato policial, también saca recursos de los géneros judicial y romántico (hay un idilio en suspenso entre el protagonista y la jueza que es su jefa), y en el tramo final deriva hacia la denuncia de la corrupción política y funcionaria, y la impunidad criminal de los agentes de seguridad. Salvo el golpe de efecto de último minuto, el relato resulta harto predecible. Pese a lo cual se despliega con un ritmo de solemne morosidad; además, varios de sus giros se hacen forzados y bien difíciles de tragar. Sumando y restando, recomendable.

Dirigida y coescrita por Juan José Campanella. Con Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella.

Por Pedro Labra

Está fuera de discusión el virtuosismo formal del largometraje número 18 de Almodóvar, el tercero por lo demás –después de “La ley del deseo” y “La mala educación”– en que emplea el mecanismo de “cine dentro del cine” (y su protagonista es otra vez un alter ego del realizador). El problema es que aquí más que en ninguna otra de sus películas, el realizador manchego parece autoconsciente del sitial a que escaló como maestro cinematográfico y marca española de exportación. El filme da la impresión de haber sido hecho para los festivales, y para que sus fans puedan disfrutar desentrañando sus múltiples alusiones cinéfilas. Pero para ser otra vez una mezcla de melodrama desaforado y comedia burlesca, la emoción y la risa escasean, debido a que la truculenta intriga resulta sumamente artificiosa y sus personajes están bien lejos de asemejarse a las personas de la vida real.
Con abundantes giros propios del cine “negro”, cuenta la historia de un ex director de cine –narrada por él mismo en off– que, tras quedar ciego en un trágico accidente automovilístico, cambia de identidad y se reinventa como guionista. Enfrentando su pasado, recuerda cómo hace 14 años se apasionó por una joven a quien hizo debutar como estrella de su gran proyecto, una comedia (ella es secretaria y amante del financista de la cinta). La relación que surge entre ambos provocará una espiral de celos y revanchas que salpicará de desgracia a todos los que le rodean.
Otro elaborado homenaje almodovariano a la cinematografía “clásica” de hace medio siglo, rinde tributo y se apega al estilo de realizadores de la talla de Douglas Sirk, Hitchcock y Roberto Rosellini, entre otros. Con egotismo que quizás quiere ser gracioso, el director se cita además a sí mismo: las tomas de prueba de “Chicas y maletas” revelan que es muy similar a “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, e incluye un desfile de actrices de películas anteriores suyas (empezando por Angela Molina, Lola Dueñas y Rossy de Palma) en roles menores. Demasiado a menudo, en vez de mostrarnos algunos de sus acontecimientos más relevantes, prefiere referirlos a través del copioso diálogo, el cual, llegado el momento de las revelaciones finales, se tiñe de una cursilería tan tremebunda como bochornosa. Cruz cambia caprichosamente de “look” a lo largo del relato replicando a Audrey Hepburn, Marilyn Monroe o Sophia Loren, mientras que uno tiende a sospechar que el intenso clima emocional que busca el filme no emana de sus imágenes, sino que se debe más bien a la inspirada música de Alberto Iglesias.

Dirigida y escrita por Pedro Almodóvar. Con Penélope Cruz, Lluis Homar, Blanca Portilla.

Por Pedro Labra

Tras un par de estilizadas adaptaciones literarias (“Orgullo y prejuicio”, de Jane Austen, y “Expiación, deseo y pecado”, de Ian McEwan), el británico Wright filma ahora en California una “historia de la vida real”. Su ánimo edificante y candidez bienintencionada hacen de ésta una cinta muy “gringa” en su peor sentido. A partir del libro autobiográfico de un periodista de “Los Angeles Times”, cuenta cómo él “descubre” a un vagabundo tocando muy bien el violín, confirma que es un cellista de talento prodigioso y también un esquizofrénico sin diagnóstico ni tratamiento, y se propone rescatarlo. Durante 110 minutos se convierte en el amigo que ayuda, apoya e incentiva a esa pobre alma perdida, sin desalentarse porque sus abnegados esfuerzos tienen efectos muy leves. El pulido relato, que contiene extensas secuencias de ejecución instrumental, insiste una y otra vez en el poder sanador de la música –con una paloma que vuela sobre la urbe– y de la amistad, y nos regaña santurronamente por cerrarnos ante el dolor de los desafortunados. Mientras, se asoma a la marginalidad extrema en el corazón de la satisfecha sociedad norteamericana, y a los graves problemas de los ‘sin casa’ y la locura, pero solo como telón de fondo para este drama que busca conmover y acongojar, y a veces lo logra. Los actores protagónicos se desempeñan con gran solvencia y también algo de incomodidad.

Dirigida por Joe Wright. Con Jamie Foxx, Robert Downey Jr., Catherine Keener.

Por Pedro Labra

En su abultada filmografía, este director, productor y guionista hollywoodense ha mostrado tener una predilección especial por las historias reales de luchas y heroísmos fuera de lo común. Piénsese en su premiada “Tiempos de gloria”, de 1989, acerca de la única compañía de soldados negros del Ejército Confederado durante la Guerra Civil en EE.UU. Aquí, filmando en Lituania con un elenco masculino estelar que encabeza el último James Bond, muestra la otra cara de la medalla del Holocausto, el singular caso de judíos que no se sometieron al arbitrio de los nazis en la Segunda Guerra Mundial. A partir de testimonios auténticos, recrea la aventura de los cuatro hermanos Bielski en la Bielorrusia de 1941, cuyos padres fueron asesinados por colaboradores de la ocupación alemana. Luego de tomar feroz venganza, los tres mayores con el apoyo de los resistentes soviéticos huyeron a los intrincados bosques de las altas montañas. En ese refugio, que defendieron a sangre y fuego, lograron fundar una suerte de comuna en la que acogieron y protegieron a muchas familias perseguidas, llegando a salvar de la muerte a un millar de judíos al menos durante un año. El relato tiene el sentido épico, el aire meditabundo y el buen nivel actoral que se puede esperar de Zwick. Si bien es un filme algo plano y falsificado, lo excepcional del desconocido episodio ayuda a mantener vivo el interés.

Dirigida y coescrita por Edward Zwick. Con Daniel Craig, Liev Schreiber, Jamie Bell.

Por Pedro Labra

A la juventud no debe ni sonarle el nombre de Monicelli, el comediógrafo más brillante y respetado de la época de oro del cine peninsular, un maestro legendario que desde los años 50 invadió la pantalla con su humor corrosivo y desenfadadamente incorrecto, para ridiculizar sin piedad las flaquezas de los italianos. Entre sus hasta ahora 65 comediolas populares, figuran títulos inolvidables como “La gran guerra”, “Los desconocidos de siempre”, “Amigos míos” y, más recientemente en los ’70, “Un pequeño, pequeño burgués”. Aunque desapareció de nuestra cartelera hace dos décadas, nunca dejó de producir al menos un filme anual. Este, su último título, lo realizó en 2006 a los 91 años, como siempre con guión coescrito por él. Regresando a la veta que abrió hace medio siglo con “La gran guerra”, un tema intocable entonces desde el sarcasmo, se vuelve a reír de la desganada participación italiana en las conflagraciones mundiales. Narra las absurdas pellejerías de una patrulla de soldados enviada a instalar un puesto de la Cruz Roja en medio del desierto de Libia. Ninguno de ellos sabe muy bien por qué están allí y son aliados de Hitler; en tanto sobrellevan las inclemencias de su misión tomándosela en plan turístico (los ecos de la guerra les llegan muy de tarde en tarde). Es claramente una obra de vejez de un humorista cuyo toque se desgastó. Con momentos más eficaces que otros, esta comedia bélica fluye de modo correcto, pero también algo tieso, abusando de los giros sentimentales. Hay que verla más bien como un homenaje al venerable Monicelli y al estilo que le dio fama.

Dirigida y coescrita por Mario Monicelli. Con Giorgio Pasotti, Michele Placido, Alessandro Haber.

Por Pedro Labra

A Cameron le tomó 12 años, desde que dio a luz “Titanic”, la película más vista de la historia del cine, hacer esta otra, la más cara jamás filmada (250 millones de dólares, aunque algunos sumando la colosal campaña publicitaria hablan de casi el doble). Valió la pena la espera y el gasto, porque Cameron es hoy en la industria del cine quien mejor sabe gastar bien la plata. Sin lugar a discusión, “Avatar” constituye un logro técnico mayor de la cinematografía. Durante los 163 minutos que dura uno tiene la certeza de estar viendo imágenes que la pantalla nunca antes fue capaz de mostrar; de admirar una maravilla en materia de entretención audiovisual, hecha con la más avanzada tecnología disponible. Que, por cierto, debe ser disfrutada en la modalidad 3D para la que fue creada, a fin de aquilatar en profundidad el detallismo de sus asombrosos hallazgos.
Es por completo deslumbrante en términos visuales también debido al magnífico derroche de inventiva con que Cameron nos introduce en un mundo imaginado –el planeta Pandora, similar pero distinto a todo lo que conocemos– que consigue hacer perfectamente verosímil y orgánico en sus diversos aspectos (por momentos ese paraíso holístico parece la fantasía utópica de un hippie o un new age), y nos convence de la existencia real de los Na’vi, sus habitantes tribales de tres metros de alto, enormes ojos de mirada límpida, piel azul y cola. El filme en su conjunto funciona como una embrujadora ensoñación, cuyo tramo más atractivo es la primera mitad, justamente cuando despliega el universo que creó como en un tour prodigioso.
Esa es la parte genial de la experiencia. Su lado no tan bueno es la sensibilidad francamente adolescente de su historia. Más allá del hechizo sensorial que despiertan sus visiones, el guión poco a poco revela ser un compendio de ideas provenientes de otros filmes de Cameron y de clichés bien reciclados de muchas otras cintas futuristas, de acción, de amores exóticos y héroes absorbidos por otra cultura, más salvaje y más “pura”. No hay verdaderos personajes (ni actuaciones destacables), sino entes estereotípicos que están ahí como vehículo para articular las convenciones de una fórmula. Se resuelve en una gran batalla final que por más impactante que sea su factura, no deja de respetar fielmente las normas establecidas de un género. A fin de cuentas, no es más que un extraordinario festival de fuegos artificiales, un pasmoso espectáculo masivo para ser consumido junto a un balde de cabritas, que podemos olvidar con toda facilidad apenas se enciende la luz.

Dirigida, escrita y coproducida por James Cameron. Con Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver.