Por Pedro Labra

No hay duda de que ésta es la más arriesgada cinta salida de Hollywood en largo tiempo, la cual no habría sido posible sin el imán que ejerce Nolan sobre el público joven desde sus inicios hace una década (“Memento”, “Insomnia”), y el éxito de su anterior “Batman, El caballero de la noche”. De hecho su concepto, que habla de manipulación de los sueños, es muy novedoso y estimulante, pero no comercial, y da pie a algunos efectos digitales extraordinariamente asombrosos. Pero pronto revela que los temas de peso que propone –los límites de la percepción e intervención de la mente, el infinito, la virtualidad, la muerte– le quedan grandes, tanto como los referentes que en principio sugiere (los relatos de Borges, Cortázar y Philip K. Dick, la gráfica del flamenco M. C. Escher en lo visual). Trata sobre un “manipulador de sueños” que con su equipo intenta que el hijo de un magnate ceda el código de acceso a la caja de seguridad de su progenitor. De modo secundario sigue la lucha del protagonista con la culpa por la muerte de su esposa, que podría proveer profundidades freudianas. Pero su eje está en el relato de acción, indicando que éste no es el filme adulto que pretendía. Se resuelve como un atrapante acertijo o laberinto audiovisual, un artificio más bien snob y efectista destinado a espíritus impresionables. A medida que avanza, el puzzle se vuelve más inextricable –hay sueños dentro de un sueño dentro de otro sueño– hasta el punto que resulta inútil descifrar si lo que vemos es realidad, sueño o recuerdo. A fin de cuentas recurre a la confusión para representar el enigma y la paradoja.

Dirigida y escrita por Christopher Nolan. Con Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Marion Cotillard, Cillian Murphy.

Por Pedro Labra

Como “Lo mejor de nuestras vidas”, hecha inmediatamente antes y exhibida aquí en 2007, es la última comedia coral de Thompson (también vimos su debut, “Besos para todos”, de 1999), su Opus 4 siempre con guión propio coescrito junto a su hijo Christopher, destinada a un público burgués y bienpensante al igual que sus personajes, rebosante de “charme” y con la mirilla puesta en la exportación y la promoción turística (como que cada cierto tiempo asoman en la pantalla imágenes de la Torre Eiffel o el Arco de Triunfo). Se concentra en tres hermanas, sus parejas y amigos, todos profesionales o empresarios bien asentados en los 40 años, que una vez al año se juntan sin muchas ganas a cenar en casa de la hermana mayor, prestigiosa abogada especialista en divorcios. Lo que sucede en el lapso anual que media entre una cena y otra, es el pretexto para revelar a esos personajes, las relaciones amorosas, familiares y fraternales entre ellos, y cómo éstas evolucionaron. Levemente menos lograda y fresca que la anterior, resulta más que reidera, sabrosa como colorido e irónico cuadro de costumbres de la burguesía parisina. Despliega un mosaico agridulce acerca de cómo las exigencias e imperativos sociales determinan las conductas personales, tanto que los individuos se ven obligados a mentirle a los otros y a menudo incluso mentirse a sí mismos. Pero no todo es frustración, a ratos hay chispazos de sinceridad y plenitud. El bien afiatado reparto ofrece una pequeña y amable fiesta de verdades no dichas, hipocresías mal disimuladas y miradas y gestos de fastidio apenas reprimidos.

Dirigida y coescrita por Danièle Thompson. Con Karin Viard, Dany Boon, Patrick Bruel, Emmanuelle Seignier.

Por Pedro Labra

El director irlandés de las notables “Mi pie izquierdo” (1989) y “En el nombre del padre” (1993), absorbido en los últimos años por Hollywood, aborda aquí su primer “remake”, una nueva versión norteamericanizada de una poderosa película danesa bastante reciente, dirigida en 2004 por la talentosa Susanne Bier –luego de ésta hizo la atractiva “Después del casamiento”, estrenada aquí– sobre un guión propio a su vez inspirado en “La Odisea”, de Homero. El resultado no está a la altura de los logros mayores del realizador, y es claramente inferior al original, lo que se puede aquilatar a través del DVD. Pero igual Sheridan se mueve a sus anchas en su motivo favorito –las tensiones, culpas y dolores guardados dentro del núcleo familiar– y obtiene buenas actuaciones de su elenco de estrellas.
Trata de dos hermanos muy distintos entre sí. Uno tiene una linda esposa y dos hijitas, y es un disciplinado militar consciente de sus deberes patrióticos; el otro, rebelde e irresponsable, resiente el rechazo de su padre que no oculta su favoritismo por el hijo que siguió la carrera de las armas (él es también un marine jubilado). Cuando Sam parte en misión de combate a Afganistán, Tommy acaba de ser liberado tras cumplir condena por robo a mano armada. Al poco tiempo, el helicóptero de Sam es derribado en la línea de fuego y se le da por muerto. En los pesarosos meses que siguen, Tommy empieza a encontrar su centro ocupando el rol de su hermano como jefe de familia y hasta inicia un lazo amoroso con la viuda, su cuñada. Pero Sam no murió, estuvo retenido como prisionero de guerra, y regresa en condiciones físicas y sicológicas muy deterioradas a retomar su lugar y su vida.
Si bien la cinta danesa fue más oportuna en referirse a la intervención militar en Medio Oriente, ni Bier ni Sheridan parecen interesados en el conflicto bélico mismo, sino en los efectos devastadores de la guerra en la civilidad (tal como la reciente “Querido John”). Pero si el filme danés retrata esto con la fuerza insoslayable de una tragedia, este “remake” gringo se mueve más bien en el registro del melodrama hogareño, proclive al sentimentalismo y las afirmaciones subrayadas. Por lo mismo, las escenas en el frente de batalla parecen sobrar. Gyllenhaal y Maguire se desempeñan con asombrosa competencia, sobre todo considerando la ligereza de sus últimos roles. Pero queda claro que para ser un melodrama, los personajes de la esposa y el padre lucen disminuidos en sus posibilidades dramáticas, mientras el tramo final, el de mayor potencial emotivo, se despacha en forma harto expedita.

Dirigida por Jim Sheridan. Con Jake Gyllenhaal, Tobey Maguire, Natalie Portman.

Por Pedro Labra

Obra mayor del elogiado realizador austriaco de “La profesora de piano” y “Caché”, este filme (que ganó Cannes el año pasado) se quiere desplegar con la estatura de un clásico. Su estética de excepcional riqueza plástica y expresiva –imágenes en blanco y negro de composición tan severa como límpida– recrea la vida en una aldea alemana de campesinos durante casi un año justo antes de que se desate la Primera Guerra Mundial, según los recuerdos de un viejo sastre que en ese entonces ejerció allí de maestro de escuela. Su narración en “off” conduce la reconstitución de un sistema patriarcal, abusivo y castigador, gobernado férreamente por el Barón, terrateniente que es el único patrón de los lugareños, en lo económico, y el pastor protestante, en lo religioso; la tercera autoridad privilegiada es el médico. Una sucesión de inexplicables accidentes y vandalismos desencadena una ola de sospechas y vigilancias recíprocas, y detona luego la revelación de las conductas monstruosas que subyacen tras la apariencia pacífica e irreprochable de decencia y estricta moralidad. Bajo el barniz puritano, campean la malevolencia y la crueldad más despiadada practicadas por los adultos y, peor todavía, por jóvenes y niños que cargan los resentimientos, vicios y culpas de sus padres. Es, sin duda, una comunidad torcida en la que no es posible ser feliz. Funciona como un cerebral thriller, gélido y a la vez perturbador por su inmanente perversidad, que intenta bucear –según el propósito algo desmedido manifestado por Haneke– en los orígenes de toda forma de terrorismo y, en particular, de la mentalidad fascista y nazi.

Dirigida y escrita por Michael Haneke. Con Ulrich Tukur, Christian Friedel, Susanne Lothar, Michael Kranz.

Por Pedro Labra

Anunciada pomposamente como la primera cinta chilena del género fantástico, no es más que una extensión comercial del juego de estrategia con naipes que lanzó la empresa Salo hace una década. Aunque pretende llegar a un público más amplio, el esfuerzo –que financió Salo antes de su quiebra en enero– se destina justamente a sus muchos seguidores (unos 400 mil en el país, se asegura, en su mayoría de nivel escolar) tanto que sus reglas se dan por sabidas. El relato, si se puede llamar así, trata de unos chicos de clase media que participan en un torneo del juego, después uno de ellos descubre en su propia pieza un portal por el cual ingresa junto a su hermana al mundo de fantasía y ella se extravía. Habrá que regresar para rescatarla. En los primeros minutos revela la total impericia de su responsable (Guridi es publicista) en cómo contar una historia, que supone –peor aún– un universo prodigioso. El intento, penosamente inepto y pueril, compromete de modo bochornoso a varias figuras profesionales. Se puede rescatar el laborioso trabajo con el generador digital de imágenes, claro que las visiones ofrecidas –paisajes imaginarios, monstruos, batallas– parecen inevitablemente malas copias de lo que ya vimos en “El señor de los anillos” y otras películas afines.

Dirigida por José Luis Guridi. Con Christian Sève, Andrés Velasco, Marko Zaror, Nathalie Nicloux.

Por Pedro Labra

Puede que su sensibilidad abiertamente homoerótica sea un escollo para este filme pensando, claro, en el espectador promedio. Pero quien pase esa barrera hallará una historia luminosa, profundamente conmovedora y sensitiva, sobre un individuo que trata de encontrar un sentido para vivir tras una dolorosa pérdida. Además, con actuaciones maravillosas y una dirección de arte sencillamente exquisita. Lo que es doblemente asombroso si se considera que ésta es una “ópera prima”, el impresionante debut como cineasta de Tom Ford, apuesto tejano que es hoy uno de los más famosos e influyentes diseñadores de moda, sin formación previa alguna en la especialidad.
Adapta libremente una novela de Christopher Isherwood publicada en 1964, que podría intimidar a un director fogueado, ya que se la califica como uno de los más sólidos exponentes de la literatura de liberación gay en esa década. Se abre con la imagen de un hombre desnudo que se hunde en aguas oscuras. Luego el relato cubre 24 horas en la vida de un profesor universitario de edad mediana en Los Angeles de 1962. Parece una jornada rutinaria, pero no lo es, porque ese día George, lúcidamente, ha decidido que no vale la pena seguir viviendo sin su pareja de 16 años, muerto en un accidente automovilístico, semanas, quizás meses antes. No luchará más contra el duelo y la depresión. Flashbacks de los momentos de felicidad compartida se entrecruzan con la fría preparación del suicidio. Como despedida, acepta una invitación a cenar de su mejor amiga y vecina, inglesa como él, separada de su marido y alcoholizada (aunque sabe que es gay, no pierde la ilusión de reanudar el breve romance que alguna vez los unió), mientras un alumno suyo le coquetea buscando clarificar el impulso que bulle en su interior. El tema de la discriminación aparece veladamente en una clase que dicta, en la cual habla del rechazo injusto a una minoría invisible, y cuando la amiga asegura que él y Jim nunca tuvieron una “relación de verdad”.
No es, desde luego, una película perfecta. Pero hasta sus defectos están llenos de atmósfera y un estilo envolvente, tributario del cine de Wong Kar-Wai y Almodóvar (y que incluye guiños a varios filmes clásicos). Al guión, que con notable precisión y agudos diálogos mantiene bajo control el desborde emocional reprimido tras las buenas maneras, se une la irreprochable recreación de época, el hermoso diseño cuidadoso de cada detalle y la inspirada partitura musical. Hace tiempo que Firth –premiado en Venecia por su rol– y Moore no disponían de personajes tan a la altura de sus admirables dotes.

Dirigida, coescrita y coproducida por Tom Ford. Con Colin Firth, Julianne Moore, Nicholas Hoult.

Por Pedro Labra

Puede que su sensibilidad abiertamente homoerótica sea un escollo para este filme pensando, claro, en el espectador promedio. Pero quien pase esa barrera hallará una historia luminosa, profundamente conmovedora y sensitiva, sobre un individuo que trata de encontrar un sentido para vivir tras una dolorosa pérdida. Además, con actuaciones maravillosas y una dirección de arte sencillamente exquisita. Lo que es doblemente asombroso si se considera que ésta es una “ópera prima”, el impresionante debut como cineasta de Tom Ford, apuesto tejano que es hoy uno de los más famosos e influyentes diseñadores de moda, sin formación previa alguna en la especialidad.
Adapta libremente una novela de Christopher Isherwood publicada en 1964, que podría intimidar a un director fogueado, ya que se la califica como uno de los más sólidos exponentes de la literatura de liberación gay en esa década. Se abre con la imagen de un hombre desnudo que se hunde en aguas oscuras. Luego el relato cubre 24 horas en la vida de un profesor universitario de edad mediana en Los Angeles de 1962. Parece una jornada rutinaria, pero no lo es, porque ese día George, lúcidamente, ha decidido que no vale la pena seguir viviendo sin su pareja de 16 años, muerto en un accidente automovilístico, semanas, quizás meses antes. No luchará más contra el duelo y la depresión. Flashbacks de los momentos de felicidad compartida se entrecruzan con la fría preparación del suicidio. Como despedida, acepta una invitación a cenar de su mejor amiga y vecina, inglesa como él, separada de su marido y alcoholizada (aunque sabe que es gay, no pierde la ilusión de reanudar el breve romance que alguna vez los unió), mientras un alumno suyo le coquetea buscando clarificar el impulso que bulle en su interior. El tema de la discriminación aparece veladamente en una clase que dicta, en la cual habla del rechazo injusto a una minoría invisible, y cuando la amiga asegura que él y Jim nunca tuvieron una “relación de verdad”.
No es, desde luego, una película perfecta. Pero hasta sus defectos están llenos de atmósfera y un estilo envolvente, tributario del cine de Wong Kar-Wai y Almodóvar (y que incluye guiños a varios filmes clásicos). Al guión, que con notable precisión y agudos diálogos mantiene bajo control el desborde emocional reprimido tras las buenas maneras, se une la irreprochable recreación de época, el hermoso diseño cuidadoso de cada detalle y la inspirada partitura musical. Hace tiempo que Firth –premiado en Venecia por su rol– y Moore no disponían de personajes tan a la altura de sus admirables dotes.

Dirigida, coescrita y coproducida por Tom Ford. Con Colin Firth, Julianne Moore, Nicholas Hoult.

Comenzó Sanfic 6, la Sexta versión del Santiago Festival Internacional de Cine en la que se exhibirán más de 100 películas nacionales e internacionales.
El festival consta de distintas categorías como la Competencia Internacional, Competencia de Cine Chileno y la Competencia de Talento Nacional (cortometrajes de realizadores locales).
Además se realiza el Work In Progress que apoya a películas en espera de postproducción. Otra de las actividades son AutoSanfic y Sanfic en tu comuna. Para más información sobre los estrenos, sinopsis y programación visiten www.sanfic.cl.

Por Pedro Labra

Qué duda cabe de que Hollywood, en su aguda crisis creativa, aterrizó en los años 80 como fuente de reciclaje. Producido por Robert Rodríguez, dedicado a la factura de juguetes cinematográficos para mentes adolescentes, es un remake más a partir de otro rompetaquillas de esa década, el thriller fantástico y de terror de 1987, sobre una cacería infernal en la cual Arnold Schwarzenegger era la presa (tuvo un par de abominables secuelas sin Arnold). Ni siquiera se molesta en modificar al mortífero alienígena, simplemente lo multiplica por tres en la jungla de un planeta al cual caen unos humanos por razones desconocidas. El argumento se puede resumir como tres gatos jugando con 7 ratones que deben sobrevivir a cómo dé lugar; mientras caen uno a uno, ellos se revelan como los verdaderos depredadores (en lo que quiere ser la idea más ingeniosa y profunda del guión). Descartando los efectos visuales con técnica actual, resulta una vieja y nada de terrorífica cinta serie B que incluye miembros cercenados y algunos diálogos escalofriantes de puro estúpidos. Otra pregunta: ¿qué hace que un actor de carrera respetable como Brody (oscarizado por “El pianista”) se decida a convertirse en musculoso héroe de acción? Probablemente que sin otros guiones en carpeta, tenía que pagar las cuentas del mes.

Dirigida por Nimrod Antal. Con Adrien Brody, Topher Grace, Laurence Fishburne.

Por Pedro Labra

Remake actualizado de la cinta juvenil de 1984, tan popular que tuvo dos secuelas con su mismo equipo en 1986 y 89, en ésta el joven héroe ya no es un muchachito ítalonorteamericano que se muda a California, sino un chico negro de 12 de Detroit, que debe viajar a China junto a su madre trasladada por la empresa en que trabaja. Lo que sigue es más o menos similar: víctima de “bullying” por sus compañeros de escuela en Beijing, el protagonista descubre el karate, arte marcial que le enseña un maestro oriental con quien establece una estrecha relación. Es una historia de aprendizaje, crecimiento y triunfo sobre las propias flaquezas. Como el maestro ahora es Chan, sus enseñanzas tienen un tono mucho menos místico y espiritual. Determinante es que protagonice el precoz Jaden Smith en su tercer rol cinematográfico (su padre –el actor Jim Smith– y madre son productores de la cinta): la viga maestra de la cinta descansa en su irresistible carisma. En tanto pierde bastante de su encanto original, el relato se vuelve más ligero, y aunque se extiende por 140 minutos, el proceso de entrenamiento parece menos convincente. Otro dato marca la diferencia: se trata de una coproducción chino-norteamericana de gran presupuesto, lo que implica muchas locaciones exóticas de atractivo turístico. Es claramente inferior al original, pero nostalgia aparte, a quién le importa si otra vez resulta eficazmente entretenida para los hijos de quienes disfrutaron la primera.

Dirigida por Harald Zwart. Con Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson.

Por Pedro Labra

Toda una curiosidad, este filme de 2008 es el primer estreno aquí del emergente cine de Islandia. Eso agrega el incentivo extra de asomarse a un modo de vida desconocido y una cultura exótica por lo remota. Complica más la cosa que el guión se inspire libremente en la pieza “Ivanov” del ruso Antón Chéjov (Kormakur, de padre catalán, es también un celebrado director teatral en Reykjavik). Despliega las vicisitudes de un maduro profesor universitario que durante toda la noche previa a su boda, duda en casarse con una ex alumna suya. Principal obstáculo es que se siente culpable de la muerte de su esposa, enferma e inestable emocionalmente; está endeudado además con su futura nueva suegra, quien le prestó una gruesa suma para implementar una cancha de golf en la isla en que ocurre la historia. Todo sucede en un paisaje desolado en la mágica Noche de San Juan, sin oscuridad debido al solsticio de verano, propicia al amor y el desenfreno. El nivel de las actuaciones y de la realización técnica es irreprochable. Pero en términos de género descoloca porque no cabe dentro de los parámetros conocidos. El relato, fracturado y algo confuso, adopta mayormente un tono ligero y cierta distancia crítica frente a sus criaturas como si fuera una comedia (incluye además música y canciones). En cambio, los personajes tienen conductas torturadas y obsesivas que revelan sicologías complejas al estilo del cine sueco. Tras el “happy end”, una escena de remate concluye que quien crea ser feliz por más de 10 minutos, es un estúpido. De interés, en esta cinta la distancia cultural sin duda pesa.

Dirigida y coescrita por Baltasar Kormákur. Con Hilmir Snaer Gudnason, Margrét Vilhjlámsdóttir, Laufey Elíasdóttir.

Por Pedro Labra

No es, claro, una gran película y Winick definitivamente es un director menor. Pero por algo la crítica del exigente “New York Times” la definió como una interesante paradoja: “Está muy cerca de ser perfecta, sin ser especialmente buena”, dijo. Verla equivale a comerse entera una almibarada torta de merengue rellena de chocolate y manjar blanco. Aunque también es cierto que no pretende otra cosa que satisfacer fielmente a su público objetivo de señoras de cierta edad con espíritu romántico incólume, y chicas soñadoras convencidas de que en algún lugar las espera el hombre predestinado para hacerlas felices por siempre. Como que su eje es el reencuentro de una pareja de la tercera edad tras medio siglo de separación. Que interpretan la venerable Vanessa Redgrave, de 73 años, y su esposo, el apuesto actor italiano Franco Nero, hoy de 68. Ambos se conocieron en los años 60 filmando “Camelot”, tuvieron un hijo ahora cuarentón (Carlo, también director de cine) y terminaron por ratificar su larga relación sentimental casándose en 2006. ¿No es para suspirar?
Una pareja de neoyorquinos viaja a Verona en plan de luna de miel prenupcial, y apenas llegados, él se entusiasma visitando los futuros proveedores del restaurante que pronto abrirá. Paseando sola, ella conoce al grupo de empleadas municipales encargadas de responder los cientos de cartas que las turistas de todo el mundo sufriendo de desamor, dejan en el muro de la casa donde supuestamente vivió la heroína trágica de Shakespeare. Recién empieza a colaborar con las “secretarias de Julieta”, cuando descubre una carta escondida escrita hace 50 años por una inglesita que se vio obligada a abandonar a su enamorado de Italia. Contesta la misiva y a los pocos días arriba la anciana dispuesta a dar con el paradero de su antiguo amor; la escolta su antipático y arrogante nieto, pragmático hasta la insensibilidad. Como la chica tiene aspiraciones de escritora, no pierde la ocasión de unirse a la búsqueda de un novio septuagenario que quizás esté aún casado, muy concluido, o peor todavía, difunto.Linda sin duda de ver, la película cuenta un relato harto relajante, predecible y anacrónico, adobado con conocimientos básicos de Shakespeare, hermosas vistas de la campiña italiana y algo de nostalgia. De un sentimentalismo además tan estereotipado, que a ratos puede provocar risas indeseadas. Pero nunca intenta pasar gatos por liebres, porque parece creer a pie juntillas que todos necesitamos soñar con el amor. Por supuesto, la gran Vanessa se las arregla para darle dignidad a su personaje difícil de defender.

Dirigida por Gary Winick. Con Vanessa Redgrave, Amanda Seyfried, Franco Nero.

Por Pedro Labra

Tras “Operación Valquiria”, este nuevo vehículo para el lucimiento de Cruise (aunque éste no fue producido por él) vuelve a errar el blanco. Cierto que esta comedia de acción derrocha energía y ganas de gustar, y la verdad es que no está mal para pasar el rato. El relato –sobre un agente que arranca durante toda la cinta protegiendo un poderoso minirreactor, acompañado accidentalmente por una chica algo despistada, pero que aprende a seguirle el tranco– mezcla un despliegue de extraordinarias hazañas físicas a cargo del astro, con romance, comedia y glamour transcontinental. Cruise, de 48, es aquí un héroe insoportablemente dotado de increíbles destrezas (cualquiera de ellas deja chiquitito a James Bond) y, al mismo tiempo, cool. Las hiperventiladas escenas de acción y las locaciones en Salzburgo, islas Azores y Andalucía, incluyendo la fiesta de San Fermín como telón de fondo para una secuencia, ayudan a distraer el ojo (las imágenes finales ocurren, se supone, en la zona austral de Chile). El problema es que las aventuras son tan descabelladas –el guión no se preocupa de justificar cuestiones de lógica esencial– y las proezas resultan tan inverosímiles, que ni el humor ni el enganche sentimental pueden funcionar. Los personajes y actores secundarios no llegan a aportar nada. Es muy rápida, bulliciosa, “blanca” y poco estimulante. Sólo para espectadores jovencitos y admiradoras recalcitrantes de Cruise (quedan algunas).

Dirigida y coescrita por James Mangold. Con Tom Cruise, Cameron Díaz, Peter Sarsgaard.

Por Pedro Labra

El número cuatro de la supertaquillera franquicia animada, hace que el ogro verde entre a la Tercera Dimensión, y con vistas a lucir los efectos 3D en las obligadas escenas de persecución, se estira también a pantalla ancha. Pero lo que define esta secuela, al igual que “Toy Story” 3, es que –pensada para quienes crecieron siguiendo la serie– perdió bastante del encanto sencillo e ingenuo de las aventuras previas. Con abierto ánimo de hacer comedia, los personajes de fábula están ahí no para contar otro cuento de hadas, sino para tratar un tema más maduro. El bueno de Shrek, casado y padre de familia, aburrido de la rutina hogareña y de las responsabilidades, pasa por una crisis de la edad mediana. Un villano lo hace firmar un pacto mefistofélico y así cae en una realidad paralela donde experimenta cómo sería el mundo si él nunca hubiera existido. El relato, claro, recicla sin disimulo el guión del filme clásico “Qué bello es vivir”, de 1946. Con las esperables réplicas llenas de ingenio y chistosas alusiones a la cultura pop, entretiene y hace reír gracias a que el fuerte de la fórmula son sus bien definidos personajes. Pero queda la impresión de que la idea ya se agotó. Aseguran que éste es el capítulo final, pero con Hollywood nunca se sabe. Si el público compra entradas para ver más de lo mismo, ¿por qué no un Shrek 5?

Largometraje de animación digital dirigido por Mike Mitchell.

Por Pedro Labra

Tras 30 años filmando de todo en su país, Japón, desde soft porno hasta éxitos comerciales, Takita obtuvo inesperado prestigio en Occidente al ganar el Oscar 2009 a la Mejor Película Extranjera –además de varios otros premios– con esta singular cinta sobre un tema incómodo, la muerte, tratado en tono de amable comedia dramática. Cuando un cellista queda cesante al disolverse la orquesta que lo tenía contratado, decide irse con su esposa a su ciudad natal para hacerse cargo de la propiedad de su difunta madre y empezar una nueva vida. En busca de trabajo, responde a un aviso clasificado en el diario y al presentarse se da cuenta de que lo que él tomó por una agencia de viajes, es en realidad una empresa funeraria: el empleo ofrecido es de “nokanshi”, encargado del delicado arte de asear, vestir y maquillar a los cadáveres para ser cremados. En una cultura para la cual la muerte conlleva impureza, el músico siente el desprecio de quienes le rodean (y hasta de su propia mujer) por su nuevo oficio. Pero debe seguir en él por necesidad. Así va descubriendo la dignidad y respeto que el solemne ceremonial da a los cuerpos sin vida, y cómo su labor brinda consuelo y serenidad a los deudos. Mérito de la película es hacer que una historia semejante resulte atractiva, con momentos conmovedores y otros impensadamente jocosos. Claro que el relato se extiende en exceso y a ratos se torna demasiado sentimental. En compensación, está muy bien filmado y actuado; impresiona especialmente Yamasaki como el inescrutable y a la vez afectuoso maestro del rito funerario.

Dirigida por Yojiro Takita. Con Masahiro Motoki, Ryoko Hirosue, Tsutomu Yamasaki.